Paula Perissinotto es artista especialista en lenguajes electrónicos, formada en Artes Plásticas en la Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP) y con un Máster en Poéticas Visuales de la Escuela de Comunicaciones y Artes (ECA) de la Universidad de Sao Paulo. También es Máster en Curatoría y Prácticas Culturales en Artes y Nuevos Medios por el Media Centre d’Art i Disseny (MECAD/IESD) de Barcelona, España, y profesora universitaria con una amplia trayectoria académica.
Actualmente coordina un curso de graduados de Producción Multimedial en el FT-IED del Instituto Europeo de Diseño en Sao Paulo. En el 2000, co-fundó la organización FILE Festival Internacional de Lenguajes Electrónicos, organización cultural no gubernamental y sin fines de lucro que promueve e incentiva producciones científicas, estéticas y culturales relacionadas con la cultura digital. Desde hace más de diez años busca construir por intermedio de FILE una plataforma cultural internacional para estimular la producción cultural y dar visibilidad al desenvolvimiento del arte y la tecnología de Brasil.
 

Paula Perissinotto. Foto: Chi-Hua Salinas

 
En esta entrevista, Perissinotto habla sobre los orígenes y desafíos de FILE y su vinculación a la Bienal de Video y Artes Mediales (BVAM), que en esta décima edición es la invitada como curadora de la muestra central,Deus ex Media, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Parque Forestal desde mañana y hasta el 22 de enero de 2012.
 
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¿En qué contexto nace FILE?
FILE, Festival Internacional de Lenguaje Electrónico, nació con la llegada de Internet de banda ancha a Brasil. Es una organización cultural, organización no gubernamental sin fines de lucro, que fundé junto a Ricardo Barreto filósofo y artista.
FILE permite una reflexión actual sobre los principales problemas contemporáneos del universo electrónico-digital. El Festival Internacional del Lenguaje Electrónico viene divulgando, desde el año 2000 a través de eventos y publicaciones, los lenguajes electrónicos y digitales en Brasil. Reúne obras de expresión estética, con las principales tendencias y movimientos de la cultura contemporánea, que se diversifican en las siguientes áreas de la cultura digital: arte interactivo, lenguaje digital y sonoridad electrónica.
FILE cree que las asociaciones culturales, para llevar a cabo sus proyectos en el sector de la cultura electrónica-digital, representan una excelente oportunidad para la difusión de la cultura democrática, ya que todas las propuestas son de libre acceso. Con este pensamiento, la continuidad de las sociedades culturales colabora con la integración de la población a las manifestaciones estéticas y reflexiones teóricas sobre la cultura digital en el siglo XXI.
¿Cuáles son los límites que ha superado FILE?
FILE viene superando límites desde su nacimiento. Al principio, sólo existía como una idea. Este proyecto tuvo su inicio en los primeros días de la Internet, cuando sólo unos pocos tenían acceso a Internet de banda ancha. Era difícil que la gente entendiera por qué un proyecto de obras producidas para un entorno digital debían se expuestas en espacios culturales.
Con la conquista del espacio expositivo y la accesibilidad de un público más amplio a Internet los retos pasaron a ser cómo buscar apoyo y patrocinadores. En 2004, cuando tuvimos a nuestro primer patrocinador, el SESI SP, finalmente realizamos un evento más estructurado. En los últimos 2 años ha habido una creciente relación de apoyo cultural, así como de público interesado en la exposición. El gran reto superado por FILE, cuando pensamos en arte contemporáneo, ha sido la adquisición de una gran audiencia. Este desafío se presenta como una conquista en constante crecimiento.
Hay muchos otros retos para los proyectos culturales que surgen de la sociedad civil. El desafío más confuso y persistente es dar continuidad a los proyectos, ya que cada año los proyectos deben buscar recursos, como si fuera siempre su primera edición. La falta de compromiso de mediano y largo plazo de las empresas patrocinadoras y del Estado impide que un proyecto del tamaño de FILE crezca de acuerdo a las posibilidades conquistadas por su organización.
 

 
La característica de la descentralización es muy fuerte en FILE ¿Cómo analizas este proceso de descentralización?
La descentralización es la característica básica de una estructura rizomática. FILE crece a partir de las conexiones sinápticas que se producen debido a la experiencia adquirida. Se trata de una estrategia procesal constante, como si fuese un laboratorio que está comprometido con el desarrollo de la innovación y la creatividad.
En materia de infraestructura, ¿cómo entiendes el espacio de exposición dedicado a la producción digital de hoy? ¿Los espacios expositivos satisfacen las demandas técnicas y tecnológicas?
Se podría decir que este tema es un tema en evolución. Al principio fue muy duro, luego se trasladó a un nivel muy duro. Actualmente en las grandes ciudades puede considerarse apenas arduo. Es muy complicado tener que luchar para tener Internet en los espacios de exposición cuando en el mundo de hoy cualquier café lo ofrece gratis. La actualización de equipos disponibles en las empresas locales también demuestra casi siempre un cierto desfase con respecto a lo que los artistas por lo general requieren. Sabemos que la tecnología es algo costoso, pero se ha trivializado mucho y no se justifica que los espacios culturales no sigan esta evolución. Desde mi punto de vista, algunas cosas, como Internet inalámbrico de alta velocidad, deben estar disponible gratuitamente en cualquier espacio cultural.
¿Cómo percibes el proceso de legitimación del arte y la tecnología digital en el campo del arte contemporáneo?

A pesar de ser, en mi opinión, parte del mismo contexto, no hay mucho diálogo entre el mundo de las artes visuales y el arte contemporáneo y la tecnología. Esta falta de diálogo no impide que las partes prosigan paralelamente en sus respectivos desarrollos, pero sería interesante que haya en este trayecto paralelo momentos de transversalidad. Las problemáticas abordadas en el universo del arte y la tecnología son complejas y a menudo parecen poco interesantes, incluso económicamente, para el universo de las artes tradicionales. Sólo el tiempo podrá legitimar el arte y la tecnología, y esto ha estado ocurriendo desde los años 60 con la aparición de EAT.
 

 
¿La tecnología puede ser arte o viceversa? ¿O llegará el día en que una suplantará a la otra?

No se trata de una disputa entre arte y tecnología. El arte tiene por principio “la finalidad sin fin”, mientras que la tecnología está diseñada con propósitos muy específicos, por lo general para la evolución del bienestar de la humanidad, ya sea desde el punto de vista de la medicina, la ingeniería, la biología, etcétera. La tecnología se está desarrollando con fines innovadores muy claros, y este es el principio de la ciencia, mientras que en el arte el compromiso está en expresar estéticamente la sociedad de su tiempo, ”el espíritu de su época”: O sea, el uso de las herramientas tecnológicas se ha convertido en un campo enorme de explotación de los artistas que están interesados ​​en estos dispositivos, ya que como mencionó alguna vez maria Arlete Gonçalves, directora del Centro Cultural Oi Futuro no Rio de Janeiro, “estas herramientas son para los artistas de hoy en día los pinceles del siglo XXI”. La exploración de estas herramientas por los artistas muchas veces apoya el desarrollo de herramientas tecnológicas, pero esto no es un objetivo sino una sinergia entre dos disciplinas que se potencializan.
¿Qué ha surgido de tu observación de la escena chilena, y que te ha llamado la atención?
En primer lugar, lo que vino en mente fue reflexionar sobre la diversidad cultural que encontramos en este continente denominado América del Sur. La oportunidad de conocer un nuevo país a través de su estructura cultural y sus artistas estimuló algunas ideas que podrían ir más allá de la selección de las obras.
Durante las visitas a Santiago percibí la importancia que tiene la existencia de una política cultural internacional sudamericana. En Santiago se puede acceder a una vida cultural activa, con espacios culturales de última generación y con grupos de artistas e intelectuales dotados de ideas innovadoras. Siento que este potencial se cierra en sí mismo y percibo que lo mismo sucede con Brasil y otros países sudamericanos. Se nota, en este sentido, un vacío con respecto a la proyección internacional de lo que está sucediendo a nivel local en cada uno de estos países. Carecemos de estrategias culturales que protejan este potencial para una red exterior mayor, más allá de su propio territorio. Los países de América del Sur sufren de la falta de formación concreta de una política cultural internacional. Tenemos que transformar esta mentalidad local en una mentalidad global, y un buen ejercicio para esto puede ser conocernos mejor unos a otros como sudamericanos.
Sobre tu curaduría para la BVAM, ¿cómo describirías el tema curatorial y la selección de obras para la Bienal?
La frase en latín Deus Ex Machina, cuya traducción en portugués significa “Dios surgido de la máquina”, se trata de una maquinaria dramática utilizada en la tragedia clásica y que permite que algo superior, sobrenatural o como una divinidad aparezca en el centro de una historia, descendiendo en el palco a través de una maquinaria de época para dar un nuevo sentido a la historia presentada. Según Aristóteles, en su libro Poética, toda tragedia debe ser verosímil, sin casualidades ni interferencias que surjan del escenario real de los acontecimientos y sus desencadenantes, en una crítica al uso de maquinarias usadas muy comúnmente en las tragedias del dramaturgo Eurípides.
Llevar esta discusión a la situación actual del arte y la tecnología puede generar una controversia, ya que proporciona argumentos a favor de una visión estética aristotélica y por tanto conservadora, así como una visión innovadora de aquellos que hicieron uso de recursos escénicos en sus tragedias. La BVAM nació a partir de una actitud innovadora con el fin de difundir el video-arte en el contexto de las artes visuales tradicionales. Posteriormente, busca continuar innovando, ya que adhiere a su propio título a los nuevos medios. Por lo tanto, el tema curatorial me parece un motivo propicio para reflejar una estética de la innovación.
En la selección se puede ver, por ejemplo, el proceso creativo del artista chileno Juan Pablo Langlois quien, al tiempo que construye esculturas conservadoras, también busca darles vida a través de nuevos mecanismos, como ocurre con la obra Leda y el cisne. En ésta, los nuevos lenguajes hacen que las esculturas cobren vida, transformándose en animaciones y obras videográficas. La muestra reúne además obras de jóvenes artistas chilenos, venezolanos, brasileños, argentinos y otros que utilizan las herramientas digitales como objeto de sus creaciones.
 

 
¿Em que contexto nasceu o festival FILE?
O FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica nasceu junto com a chegada da Internet banda larga no Brasil. É uma organização cultural, nao governamental sem fins lucrativos que fundei junto com Ricardo Barreto, filósofo e artista.
O FILE viabiliza uma reflexão atual sobre as principais questões do universo eletrônico-digital contemporâneo. O Festival Internacional de Linguagem Eletrônica vem divulgando, desde o ano 2000 através de eventos e de publicações, as linguagens eletrônicas e digitais pelo Brasil. Reúne trabalhos de expressão estética, com as principais tendências e movimentos da cultura contemporânea, que se diversificam nas seguintes áreas da cultura digital: Arte Interativa, Linguagem Digital e Sonoridade Eletrônica.
O FILE acredita que as parcerias culturais, na realização de seus projetos culturais no segmento eletrônico-digital, trazem uma excelente oportunidade para a disseminação democrática da cultura, uma vez que todas as propostas são de acesso gratuito. Com este pensamento, a continuidade das parcerias culturais colaboram com a integração da população às manifestações estéticas e aos pensamentos teóricos sobre cultura digital no século XXI.
¿Quais são as fronteiras que o FILE já superou?
O FILE vem superando fronteiras desde o seu nascimento. Inicialmente existia apenas como uma ideia e este projeto teve seu inicio nos primórdios da Internet, quando apenas poucos tinham acesso a Internet banda larga. Era difícil fazer com que as pessoas entendessem o por que um projeto de obras produzidas para um ambiente digital deveria ser exposto em espaços culturais.
Com a conquista do espaço expositivo e da acessibilidade de um publico maior a Internet os desafios vieram com a busca de apoios e patrocinadores. Em 2004, quando tivemos o nosso primeiro patrocinador, o SESI SP, pudemos finalmente realizar um evento mais estruturado. Ao longo dos últimos 12 anos houve uma relação crescente de apoios culturais, assim como de publico interessado pela exposição. O grande desafio superado pelo FILE, quando pensamos em arte contemporânea, foi a aquisição de um grande publico. Este desafio se demonstra como uma conquista em crescimento constante.
Existem muitos outros desafios para os projetos culturais que nascem a partir da sociedade civil; o mais conflitante e persistente dos desafio eh dar  continuidade aos projetos, uma vez que a cada ano os projetos devem buscar recursos como se fosse sempre a sua primeira edicao. O não comprometimento de medio e longo prazo das empresas patrocinadoras e do estado impede um projeto do porte do FILE de crescer de acordo com as possibilidades conquistadas pela sua organização.
A característica de descentralização é bastante forte no FILE. Como analisam este processo de descentralização?
A descentralização eh característica básica de uma estrutura rizomática. O FILE cresce a partir de conexões sinápticas que ocorrem por conta das experiências alcançadas. Trata-se de uma estratégia processual constante, como se fosse um laboratório que tem como compromisso o desenvolvimento da inovação e da criatividade.
Em relação à infra-estrutura, como você entende o espaço de exposição dedicado à produção digital presente? Os espaços expositivos atendem técnica e tecnologicamente as demandas?
Pode se dizer que este eh um tema em evolução. No inicio era muitíssimo árduo, depois passamos para o nível muito árduo. Atualmente em grandes centros pode se considerar apenas árduo. Eh muito complicado termos que lutar para ter Internet em espaços expositivos quando no mundo de hoje qualquer café a oferece gratuitamente. A atualização de equipamentos disponíveis em empresas de locação também demonstra quase sempre uma certa defasagem em relação aquilo que os artistas costumam demandar. Sabemos que a tecnologia eh algo custoso, mas muita coisa já se banalizou e não se justifica os espaços culturais se isentarem de acompanhar esta evolução. Do meu ponto de vista alguns itens, como por exemplo a Internet rápida sem fio, deveria ser disponibilizada gratuitamente em qualquer espaço cultural.
 

 
Como você percebe o processo de legitimação da arte e tecnologia digital no campo da arte contemporânea?
Apesar de serem, no meu ponto de vista, parte de um mesmo contexto, não existe muito dialogo entre o mundo das artes visuais contemporânea e o da arte e tecnologia. Esta falta de dialogo não impede ambas as partes de prosseguirem paralelamente o seus respectivos desenvolvimentos, porem seria interessante que houve neste trajeto paralelo momentos de transversalidade. As problemáticas abordadas no universo da arte e tecnologia são complexas e muitas vezes parecem desinteressantes, inclusive economicamente para o universo da arte tradicional. Apenas o tempo poderá legitimar a arte e tecnologia, e isto já vem ocorrendo desde os da década de 60 com o surgimento do EAT.
A tecnologia pode ser arte ou vice e versa? Ou chegará o dia em que uma suplantará a outra?
Não se trata de uma disputa entre a arte e a tecnologia. Arte tem por princípio ”a finalidade sem fim”, enquanto a tecnologia é pensada com fins muito específicos, geralmente para a evolução do bem estar da humanidade, seja do ponto de vista da medicina, da engenharia, da biologia e etc. A tecnologia se desenvolve com fins inovadores muito claros, e este é o principio da ciência. Enquanto na arte o compromisso é em expressar esteticamente a sociedade do seu tempo, “o espírito da sua epoca”. Ou seja, o uso de ferramentas tecnológicas passou a ser um leque enorme de exploração dos artistas que se interessam por estes aparatos, pois como mencionou certa vez Maria Arlete Gonçalves, diretora do Centro Cultural Oi Futuro no Rio de Janeiro, “estas ferramentas são para os artistas de hoje os pincéis do século XXI”. A exploração destas ferramentas pelos artistas muitas vezes corrobora para evolução das ferramentas tecnológicas, mas isto não é um objetivo e sim uma sinergia entre duas disciplinas que se potencializam.
O que emergiu de sua observação da cena chilena, e que pegou a sua atenção?
Primeiramente o que me veio em mente foi refletir sobre a diversidade cultural que encontramos neste continente denominado América do Sul. A oportunidade de conhecer um pais novo através de sua estrutura cultural e de seus artistas estimulou algumas reflexões que conseguiram ir além da seleção de obras.
Durante as visitas a Santiago percebi a importância que tem a existência de uma politica cultural internacional Sul Americana. Em Santiago pode se acessar uma cena cultural ativa, com espaços culturais de ultima geração e com grupos de artistas e intelectuais dotados de ideias inovadoras. Sinto que este potencial encontra-se fechado em si mesmo e percebo que a mesma coisa acontece com o Brasil e outros países da América do Sul. Nota-se, nesse sentido uma lacuna no que tange a projeção internacional daquilo que se passa localmente em cada um desses países. Carecemos de estratégias culturais que projetem este potencial para uma rede exterior bem maior, além do seu próprio território. Os países Sul Americanos sofrem da carência da formação concreta de uma politica cultural internacional. Precisamos transformar esta mentalidade localizada em uma mentalidade globalizada, e um bom exercício para isto pode ser conhecermos nos melhor uns aos outros como Sul Americanos.
 

 
Em sua curadoria para BVAM, como você descreveria o tema curatorial eseleção de trabalhos para a Bienal?
A expressão latina Deus Ex Machina, cuja tradução em português significa “Deus surgido da máquina”, trata-se de um maquinario dramático utilizado na tragédia clássica e que permite que algo superior, sobrenatural ou como uma divindade apareça no meio de uma história, desça no palco através de maquinaria da época para dar um novo sentido na historia apresentada. Segundo Aristoteles, no seu livro intitulado a Poética, toda tragédia deve ser verossímel, sem causalidades ou intromissões que fujam do real cenário dos acontecimentos e suas desencadeações, em uma critica ao uso de maquinarias usados muito comumente nas tragedias do dramaturgo Euripedes.
Trazer esta discussao para o cenario atual da arte e tecnologia pode gerar uma polemica, pois oferece argumentos para uma visao estetica aristotelica e portanto conservadora, assim como uma visao inovadora daquele que ousou fazer uso de recursos cênico em suas tragédias. A BVAM nasceu a partir de uma atitude inovadora com o intuito de difundir o video arte no contexto das artes visuais tradicionais. Posteriormente busca ainda continuar inovando, uma vez que adere tambem os Novos Meios em seu proprio titulo, portanto o tema curatorial me parece uma motivacao propicia para refletir a estética a cerca da inovação.
Quanto as obras selecionadas para BVAM mesmo tendo esta seleção implicado muitas variáveis conseguiumos dar a esta mostra uma visão de projetos que buscam em suas pesquisas o uso de linguagens inovadoras. Poderá ser visto, por exemplo, o processo criativo do artista chileno histórico Juan Pablo Langlois que ao mesmo tempo que constrói esculturas conservadoras  busca também  dar lhes vida através de novos mecanismos, como ocorre na obra  “Leda  e o Cisne” e ainda segue suas pesquisas de novas linguagens  tirando a vida das esculturas para transforma-las em animações e obras videográficas. Assim como a mostra reune um panorama de obras de jovens artistas chilenos, venezuelanos, brasileiros, argentinos entre outros que fazem uso  da ferramenta digital como objeto de suas criações.